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Dos chicas jóvenes concluyen, mientras toman el sol en bikini, que si en este mundo todo está corrompido, estaremos corrompidas nosotras también. Así se activa el mecanismo que pone en marcha la película: una tras otra, se irán produciendo escenas inconexas en las cuales las dos protagonistas juegan a ser malas con su entorno. Engañan a hombres maduros para comer gratuitamente, escriben y dibujan en las paredes de su casa, improvisan un baile en un cabaret para boicotear el número que está en escena, engullen y despedazan los manjares de un banquete preparado para otros, etc. Rompiendo toda linealidad narrativa y empleando la técnica del collage tanto a nivel visual como auditivo, Vera Chytilová construye una película crítica con la sociedad contemporánea y con la posición que ocupa la mujer en un mundo dominado por lo masculino. Esta película metafórica, provocativa y esencialmente reflexiva, fue en los sesenta un emblema de la Nueva Ola Checa.

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• www.cine365.com

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• www.escineuv.cl

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En medio de la Gran Depresión económica de 1930, la baronesa de la cerveza Lady Port-Huntly anuncia una competencia global con la intención de determinar cuál es la música más triste del mundo.

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• www.dvdventas.com

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• www.escineuv.cl

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Biografía cargada de lirismo del trobador armenio del siglo XVIII Sayat Nova. El mago del cine ruso escribe, dirige, monta, coreografía y diseña vestuario y decorados de esta joya atípica que recrea la vida del poeta armenio Sayat Nova: desde su infancia como teñidor de lana, su paso por la corte, su enamoramiento mundano y, finalmente, su ingreso a un monasterio. Una biografía revolucionaria, mezcla de versos, rituales religiosos armenios y retazos del poeta.

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• www.escineuv.cl

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Ésta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol -un membrillero- que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. A lo largo de su vida, casi como una necesidad, el pintor ha trabajado sobre el mismo tema en muchas ocasiones. Cada año, con la llegada del otoño, esa necesidad se renueva. Lo que el artista no ha hecho nunca en su pintura del árbol es introducir entre sus hojas los rayos del sol. Desde el estilo que le es propio -un estilo que parte de la exactitud- esa tentativa posee una gran dificultad, se revela, según las circunstancias, casi como una imposibilidad. En esta ocasión decide afrontarla. Pero lo hace como es habitual en él, con una tensión razonable, sin perseguir siquiera el acabado del cuadro, sin otro afán que permanecer unas semanas junto al frágil y generoso árbol. La película da cuenta de esta experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas...) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo -otoño de 1990- donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máximo esplendor. Cuando el invierno empieza a anunciar su llegada, los membrillos maduros, al caer de las ramas, ponen punto final a la labor del pintor, iniciando en tierra el proceso de su descomposición. Es entonces cuando, en la noche, el pintor nos cuenta un sueño.

Presentación de Víctor Erice:

La idea que sustenta este proyecto cinematográfico es muy sencilla. Consiste, sobre todo, en la captación de un acontecimiento real: la pintura y el dibujo de un árbol.

A propósito de este hecho, algunas de las cuestiones más elementales que, de manera inmediata, se pueden plantear son las siguientes: quién es el artista, qué es lo que pinta, y cómo lo hace.

La película ofrece pronta respuesta a estas demandas: el artista se llama Antonio López, y pinta con un estilo que, basado en la exactitud, puede denominarse realista un membrillero que ha plantado en su jardín.

Pero lo hace, y éste es un detalle fundamental, ante un equipo de cine, provisto de una cámara y un magnetófono, que trata de recoger las imágenes y los sonidos de este suceso.

Es así como, en este caso, la pintura y el cine entran en relación.

Una relación que aquí supone la renuncia explícita a cualquier forma previa de fabulación y dramaturgia, incluso a la que podría elaborarse a partir de los datos más significativos de una biografía. Pero que, además, igualmente prescinde del ejemplo, ya tradicional, que constituyen los denominados documentales de Arte; es decir, aquellas películas que utilizan la obra pictórica para los fines de una síntesis cinematográfica.

Especie de diario elaborado a partir de la captación directa de los hechos (todas las personas que aparecen en las imágenes se representan a sí mismas, y lo que dicen les pertenece), El sol del membrillo trata, más bien, de buscar una relación menos evidente entre la pintura y el cine, observados ambos en lo que tienen de instrumento de captura de lo real; es decir, como formas distintas de llegar al conocimiento de una posible verdad.

A lo largo de este siglo, los pintores y los cineastas no han dejado de observarse, quizás porque han tenido, y siguen teniendo, más de un sueño en común -entre otros, capturar la luz-, pero, sobre todo, porque su trabajo obedece, como señaló André Bazin, a un mismo impulso mítico: la necesidad original de superar el tiempo mediante la perennidad de la forma; el deseo, totalmente psicológico, de reemplazar el mundo exterior por su doble.

La fotografía primero, y el cine después, explican en cierto modo algunos de los aspectos más sustantivos de la evolución de la pintura moderna. Con su aparición, estas dos invenciones provocaron una mutación profunda del estatuto de la imagen, de su producción y consumo, que se ha extendido hasta nuestros días.

Ampliando extraordinariamente el horizonte de esa mutación, la televisión y el vídeo han tomado el relevo precipitando la crisis del cine, su conciencia de la propia caducidad. Acaso por todo esto, la pintura y el cine contemporáneos transitan por más de un territorio común, compartiendo incluso parecidas frustraciones y esperanzas.

Porque en un momento como el presente, en el que la inflación audiovisual ha llegado a extremos inimaginables, la cuestión que se impone, más que nunca, es la siguiente: cómo hacer visible pintar, filmar una imagen.

Víctor Erice

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• www.escineuv.cl

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El pintor Michelangelo Merisi, nacido en Caravaggio, se está muriendo lejos de su hogar. En el lecho de muerte recuerda los comienzos de su vida como pintor. El niño Michelangelo dejó su Caravaggio natal al quedar huérfano, y se traslada a Milán, donde se inicia como pintor en diferentes talleres, hasta que establece un taller propio, en la Roma de los Papas, ganándose el favor de la Iglesia, que le encarga numerosas obras. Llegan entonces la fama, el dinero, sus amores homosexuales, las intrigas políticas y religiosas, la envidia y el crimen.

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• www.filmaffinity.com

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Terry Zwigoff amigo de Robert Crumb, realizó un documental en 1994. Se puede ver que Crumb, aun siendo raro, no esta tan loco como debería estarlo teniendo en cuenta la familia que tuvo. Abanderado del movimiento underground americano de los sesenta, Crumb es una persona apacible, tímida y lucida amante de la música primitiva americana, de la que tiene una colección que tendría que estar en un museo, pero que cuando dibuja se transforma en un Mr. Hyde, salvaje y políticamente incorrecto, lo que le ha causado algunos problemas.

Enlaces:

• www.crumbproducts.com
• www.zubeworld.com/crumbmuseum

Fuente:

• www.agaudi.wordpress.com

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Esta película de Guy E. Debord, se basa en su libro de 1967 del mismo título, en las que se transmiten las ideas sobre el capitalismo de consumo, del modo de producción y los efectos sobre la vida cotidiana. La estructura de la película en sí es una serie de imágenes de películas de Hollywood, películas de países socialistas, a los experimentos película soft-porn básicos, o archivo de acontecimientos históricos (por ejemplo, la revuelta Mayo del 68 en Francia) y representaciones de la vida diaria. Debord y los situacionistas utilizan la música para transmitir el sentimiento de esperanza y el espíritu de la negación (la negación del capitalismo y la creación de una nuevo totalidad de situaciones). Debord durante esta película pone de manifiesto la influencia de la Internacional Situationita en la agitación de Mayo del 68 (la mayor huelga general en la historia). Henri Lefebvre criticó a Debord sobre este punto, su opinión, de que los situacionistas exageran enormemente su influencia sobre los acontecimientos. Es, a fin de cuentas, un documental, radical en la forma y el contenido (el estilo y las ideas, aunque esta dicotomía es falsa llegado grado), es bastante interesante sólo para los desinteresados, siendo un documento hostil y Revolucionario Anti-capitalista.

Guy Debord fue alguien que durante su intensa e insurrecta vida acaparó más interés para la policía que para cineastas, escritores y estudiosos del arte. Es a veces sorprendente descubrir la atmósfera de odio y maledicencia que constantemente me rodeó (...) Algunos piensan que es a causa de la seria responsabilidad que a menudo me fue atribuida por la revuelta de mayo de 1968. Pienso más bien que fue lo que hice en 1952 lo que más ha disgustado por tanto tiempo. (Panegírico, 1989). Ese año Debord comenzó su devastadora cinematografía, un conjunto de películas, o no-películas, en el que su aceptación como parte del corpus cinematográfico por esos mismos cineastas, críticos y escritores implicaría su fracaso.(...)

1. Los espectadores no encuentran lo que desean, desean lo que encuentran.

El cine pre-situacionista se inicia en 1951 con Traité de bave et eternité de Isidore Isou, mesiánico alborotador de la juventud, neodadaísta canalla y cabeza visible de la vanguardia de la vanguardia que era el letrismo. La película era una larga y pretenciosa historia de amor (cuatro horas de metraje) que se desarrolla en la Rive Gauche y que pronunciaba el manifiesto de un cinéma discrápant. Isou anunciaba la destrucción del cine y negaba el aspecto fílmico: usaba fragmentos con la pantalla en negro y el celuloide roto y rayado. Un cine que rompía la unidad entre los dos pilares de una película: el sonido y la imagen presentándolos en divergencia el uno del otro. La película fue exhibida tras una intensa ofensiva de los letristas (Isou era un genio de la autopublicidad) en cada una de las conferencias de prensa del festival de Cannes. Eva al desnudo (también figuraban El crepúsculo de los dioses y La jungla de asfalto) ganó el Premio especial del jurado. A Isou, apadrinado por Cocteau, le otorgaron el Priz de L'avant garde.

Fuente:

• www.patiomaravillas.net
• www.diabolico.blogspot.com

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Godard venía de filmar los disturbios del Mayo Francés, y estaba agotado cuando llegó a Londres a rodar con los Rolling Stones una película que, en los papeles, iba a ser sobre el aborto, los Panteras Negras y dibujos animados políticos -más el protagónico de Terence Stamp, que abandonó- y terminó siendo un relato algo inconexo con el único hilo conductor de la banda dándole forma a una de sus canciones mayores, Sympathy for The Devil, en los estudios Olympic, hermosamente iluminados. Godard logró captar el aislamiento de Brian Jones, que moriría poco después: hay largas tomas en las que se lo ve sentado en una cabina, ignorado por todos, tocando una guitarra desenchufada. También consiguió capturar la importancia que había adquirido Anita Pallenberg en el seno de los Stones; es muy fuerte la toma en que se la ve con Keith y Brian cantando los famosos grititos hoodoo de la canción. Godard se agarró a piñas con su productor Ian Quarrier durante el estreno: no estaba conforme con la versión final. Según él: One Plus One es una colección de fragmentos fragmentados. Dijo Mick Jagger:

Se celebraron muchas reuniones en habitaciones de hotel londinenses, intentando que Jean Luc Godard explicara sobre qué trataba la película. No se supo jamás.

Fuente:

• www.cineclubmunicipal.org.ar

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Tras un enfrentamiento en un campus universitario entre estudiantes y policías, un joven de familia acomodada, Mark, cree haber matado a un agente y huye, en compañía de otro joven y tras robar una avioneta, al desierto de Arizona. Allí se encuentra de un modo fortuito con Daria, una muchacha que trabaja para un abogado, director de un importante proyecto inmobiliario, y que está cruzando el desierto en automóvil para asistir a una reunión de negocios.

Fuente:

• www.filmaffinity.com

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